Para no quedarse encerrado en ese laberinto (nuestra mente)

Una vez escuche decir a alguien que el rock tiene “varias aristas”. Si uno se pone a analizar la frase en algún punto es cierto. Distintos lugares, dentro de un mismo cuerpo (llámese genero, llámese rock) donde se encuentran dos “caras” de este cuerpo. Esas “caras” o regiones o espacios, es donde “habitan” los distintos artistas, para encontrarse en determinados puntos (o serie de puntos, si se quiere un término mas especifico) en común. Puntos en común, no quiere decir que sean lo mismo. Esos puntos en común pueden estar en el mensaje a trasmitir, en el género, en la manera de ver la sociedad, o interpretarla o tal vez, simplemente, en la manera de hacer música. Pero cada tanto pasa, que nace algo nuevo. Un nuevo punto, partir del cual luego se empiezan a formar esas aristas. Y a veces puede que empiece como algo muy chico, y de a poco vaya creciendo.

Acá en la ciudad de Santa Fe, un grupo de amigos empezó a hacer algo nuevo hace un tiempo. Algo distinto a lo que se venía escuchando, dentro del rock local (y hasta me animaría a decir dentro del rock nacional). Infusión Kamachui. Un nombre un tanto excéntrico, pero no es lo que analizamos en este blog.

Allá por el 2005, Pablo “Pif” Ferreira (Voz), Esteban Lagger (Guitarra y Coros), Iván Wolkovicz (Bajo) y Luciano Dato (Batería) comenzaron a gestar este proyecto. Una combinación de sonidos es lo que caracteriza esta banda con un EP y un disco recién salido del horno. Cada canción suena distinta a las otras. Se puede escuchar folclore pero con la fuerza del heavy metal, alguna una melodía progresiva, y también alguna base bien bluesera, todo hilvanado con la energía rockera que los caracteriza.

Caracterizarse. Algo que también habla de la identidad de una banda. Algo que las destaca de las demás, y que hace que ciertos desprevenidos empiecen a ver (o escuchar) lo que está pasando. Esta banda tiene un ADN característico. En todas sus presentaciones, uno puede disfrutar no solo de su música sino también de un espectáculo visual. Aparecen con pantalones negros y con pinturas en el cuerpo y la cara, que podrían recordarnos las pinturas de antiguas civilizaciones aborígenes.

En 2008 grabarían sus primeras canciones en el EP “Don Gregorio Sessions” donde se empezaría a escuchar lo que luego pasaría a ser un sello de la banda.

Con “Equinoccio I” (2012) logran un sonido mucho mas prolijo. Donde se escuchan buenas bases: una batería que podría recordad a los grupos progresivos de los 70 y un bajo muy bien marcado y hasta acompañando la melodía en algunas ocasiones, buenas guitarras: con efectos claros y distorsiones acertadas, y una voz que puede sonar aguerrida pero que también puede llegar a notas altas, creando así los distintos climas por donde transita el disco.

Que sean consagrados como ganadores de la Bienal de Arte Joven 2012 en la ciudad de Santa Fe, puede que no signifique nada para algunos, pero puede que para muchos otros, incluidos ellos, sí. Un reconocimiento a apenas 7 años de su formación, dice algo.

Una banda que quiere trasmitir su arte, para que podamos saltar, gritar, alegrarnos y escuchar esta (in)fusión de sonidos. Un “rock fusión” que está emergiendo en la ciudad.

Al caer - Infusión Kamachui

Doris (O cómo de una banda pueden salir muchas más)

Conozco mucha gente que opina que si un artista (y más específicamente un músico) no es “conocido” popularmente, no es bueno. Es un concepto que desgraciadamente suele repetirse. ¿Por qué razón una banda que llena un lugar (sea teatro, sala, bar, etc) con 50, 60 personas no puede ser bueno? ¿Acaso si o si tienen que estar relacionados popularidad con estilo o virtuosismo?

Cuando empecé a armar este blog, un poco la idea era esa, difundir esas bandas que estaban “escondidas” para muchos, para que puedan entender que también existen esos buenos artistas con mucho para decir y muchas canciones para dar, pero que no gozan de cierta “popularidad”.

En este caso vamos a hablar de Doris, una banda que como tantas otras luego de una extensa y maravillosa carrera llena de hermosas canciones, se bifurco en varios caminos.

“Es una música de viajes. Tiene elementos de rock, de psicodelia... es de recovecos” dijo Liza Casullo (guitarra y voz), cuando le preguntaron qué hacía Doris. Es que este quinteto, donde además de Liza estaban Larva Peruzzotti (bajo y voz), Marcelo Blanco (percusión, guitarra y voz), Nacho Rodríguez (guitarra, batería y voz) y Julián Zamtlejfer (batería, guitarra y voz) fue uno de esos primeros grupos que se canso de sonido eléctrico y decidió, parar la pelota. Bajar un cambio y apostar (en el buen sentido de la palabra) a lo acústico. Eso que por ahí se lo llama “nueva canción”. Pero para que andar poniendo etiquetas. Despojados de todo prejuicio musicales y compositivos, fueron de los primeros grupos (entre otros) en impulsar un estilo.

"Hacemos canciones: Tenemos una botella llena. Experimentales, clásicas, cortas, largas, luminosas y oscuras, de amor, de odio, de entresueños o de preguntas sin respuesta."

Comienzan a formarse en 2000, en Buenos Aires, y en 2003 lanzan “Doris”. Pero no conformes con esto (o seguramente sí, pero con ganas de seguir haciendo canciones) en 2004 editan “Doyle, la opereta del Gaucho Drogado”. Donde se refleja este concepto de la ausencia de lo eléctrico, ya que el material fue originalmente compuesto para un show unplugged. Donde la delicada voz femenina o las aguerridas voces masculinas, interpretan canciones que van desde valses y bossas, hasta folks en ingles y franceses sin dejar de lado un toque indie-psicodélico

En 2006 llegaría “Achacandá”, el disco que cerraría esta etapa, pero que abriría otras (en realidad ya había sembrado un estilo que empezaba a dar nuevos frutos), como la carrera solista de Liza, o lo que es hoy una de las mejores representaciones de este estilo (por lo menos para mí) que es Onda Vaga.

Canciones, versos, ideas, paisajes, sentimientos… en definitiva canciones eso es lo que artistas como Doris y muchísimos más (innumerables e incontables) nos trasmiten, para que nosotros las escuchemos y dejemos volar nuestra mente.

 Doris - Así

“Canciones de la corteza”

Todos los artistas recorren un largo camino (o varios) para llegar a ser quienes son. A veces esos caminos son muy distintos entre sí. Pero en todos los caminos por donde transitan dejan su huella. Hasta que, en algún momento, encuentran un camino que les es mas cómodo para trasmitir eso que sienten. Eso que quieren que sea escuchado. A veces es por moda (lamentablemente). Otras veces por el mero hecho de experimentar. Y muchas veces (por suerte) pasa por un crecimiento musical, o una madurez mental. Es éste último el caso de Dante Leonel Riego, un artista que luego de distintos proyectos, pudo encontrar ese camino. Y lo encontró en la simpleza de su guitarra y su voz. Nada más. Uno de esos artistas que está constantemente creando, que pasa por distintas influencias, pero que siempre sabe hacer llegar sus poesías y a veces transformar esas cosas que nos pasan a todos en canciones.

 

Luego de pasar por otras bandas, tales como el power trío “Unísono”, el experimental “Nogal”, o el dúo, compartido con su hermana, “Instinto” (guitarra y violín) donde versionaba a diversos artistas. Mas algunas experiencias solistas iniciales como los discos “Tus” (2010) y el instrumental “Dar” (que según cuenta fue grabado en una semana de vacaciones). Encontró la manera de consolidar todas esas ideas en un proyecto solista bien sólido por donde llevar sus ideas y pensamientos. El primer resultado llegaría también en 2010 y sería un  disco homónimo. Con influencias desde Lisandro Aristimuño hasta Coiffeur, pasando por Devendra Banhart. Participan solamente su guitarra, unas sutiles bases de percusión y algunas intervenciones de violín (a cargo de Yamila Riego). Todo esto acompañado de un arte de nubes y pajaritos, y se podría decir el disco tiene una onda así. Canciones que hablan de la simpleza que hay en el amor, los recuerdos, una mirada sincera a la sociedad, o lo cotidiano de una tarde de mates.

Más tarde, en 2012, llegaría “Canciones de la corteza” un disco que demuestra un crecimiento musical y compositivo respecto al anterior, mucho más prolijo, y donde se nota un afianzamiento en su estilo. Con arreglos precisos, arpegios armónicos, melodías tenues y una percusión más marcada. Donde volvemos a ver esas canciones que hablan del amor, de la amistad o esas sensaciones que uno tiene en un tarde lluviosa o en esas vueltas a la madrugada después de una noche larga. Cuenta con varios invitados que aportaron sus voces como Gonzalo “Chino” Mansutti y Nahuel Romero (Abre) y nuevamente Yamila Riego en violín.

Ambos discos fueron grabados, producidos y mezclados por el mismo y pueden ser descargados gratuitamente desde su blog, donde también se puede disfrutar de su primer videoclip, de la canción “Lleva de Mi”. Suele presentarse en distintos lugares de Santa Fe, Santo Tomé (Sta Fe) y Buenos Aires.

Esas canciones, de un artista nuevo (con nada más que 22 años) en constante crecimiento, que por alguna razón dejan de quedarse quietas, y que, (mate de por medio) nos invitan a que las escuchemos.

Link para descargar los discos:

http://danteleonelriego.blogspot.com.ar/

Un viaje que nos lleva

Creo que desde siempre existieron los colectivos musicales. Esos “lugares” (sin lugar fijo en realidad) donde un grupo de músicos se reúne y dan lugar a sus canciones. Se mueven como un conjunto, son un todo. Se podrían nombrar muchos ejemplos, incluso algunos de décadas anteriores. Pero esos colectivos musicales todavía existen y van a seguir existiendo por suerte. Sobre todo si contamos con artistas como Gonzalo “Chino” Mansutti (ex Farah) que junto con Los Refutadores del Pensamiento armó lo que hoy es un excelente ejemplar de esto. “Chino Mansutti y los Refutadores del Pensamiento” es lugar que eligió Gonzalo para lanzar su carrera como solista, y el resultado fue “Lleva”. Un disco que refleja sus sentimientos y verdades, y donde quizás en muchas de sus canciones nos podamos ver reflejados.

Un bombo es lo que sirve de apertura para este gran disco, seguido de una guitarra acústica, “Va a pasar”, que continúa con un piano muy marcado, muestra eso que muchas veces sentimos: “cuando creo que no estás, te plantas en un sueño” y el concepto de que todo va a pasar. Donde también podemos escuchar la voz de “Chino” Mansutti en perfecta armonía con el grito desgarrador del “refutador” Juane Voutat de fondo. Continúa con el corte “Lleva” (que ya cuenta con su video), una canción donde refleja una mirada muy personal sobre sí mismo, y el mensaje de dejarnos llevar por nuestros sentimientos. La melodía llevada por el piano y muy bien acompañada por bases de guitarras y una sutil percusión, la hacen una de las más agradables del disco.

“Sanar” es la que sigue y deja el mensaje de que “..hay que salir con lo queda”. Un comienzo muy tranquilo con piano que llega a un final con guitarras distorsionadas. Con una introducción muy “Harrisoniana” arranca “Belén”, una canción dedicada a un amor, donde cuenta como esa persona especial puede “rescatarnos”. Con una base bien acústica de guitarras y charangos que se van acentuando a medida que avanza la canción, y una melodía llevada por un acordeón, la hace una buena de combinación de Folk con Pop. “Alessandria”, según cuenta el artista, fue compuesta en dicha localidad de Italia, donde paso un invierno muy crudo. Una intro de guitarra acústica que es acompañada por un piano durante toda la canción, y qué decir de la voz de “Chino” siempre acorde a la melodía, con su tono de voz tan particular (y esta vez hasta un estribillo cantado en italiano).

En el vals “Mi mundo sin vos”, el título lo dice todo. Nada más que una guitarra y su voz sirven para hacer de esta canción, uno de los puntos más serenos del disco. Un puente con un acordeón muy sutil y melancólico corona lo que es una verdadera canción de amor. Y de la tranquilidad de ésta, salta a la potente “Revolución”, una voz “robotizada” y guitarras bien distorsionadas (además de una intervención rapera).

La siguiente es “Por y para” donde violines, un piano y los sueños son los protagonistas. La alegre “Pa’ que la lluvia pare” que termina con las voces y palmas de todos (refutadores y el mismo Gonzalo) entonando el estribillo. Y donde también se puede apreciar la voz de Juane imponiendo su presencia. Con la ingenuidad y la ternura infantil de “Mateo” es como cierra el disco, la cual arranca con la voz de un niño cantando “Let it be”. Una simple canción de cuna.

Vivencias, sueños, experiencias, verdades y por qué no realidades, reflejadas nada más que en 10 canciones. Solo queda escuchar.

"Lleva" - Chino Mansutti y Los Refutadores del Pensamiento

Fanáticos y Fundamentalistas

Acá estamos de nuevo después de un tiempo (un poco largo), y esta vez para recomendar una nueva banda. Como ya se habló muchas veces en este blog, el rock es federal y también internacional. Pero también se puede olvidar que existen estas fronteras. Seguir el mismo camino. O unir varios caminos. El rock une. Y un ejemplo es esta banda cuyos integrantes son de diferentes lugares (de nuestro país y el mundo). Un cantante de Mar del Plata, un bajista Mexicano y un baterista rosarino coincidieron en la ciudad de Buenos Aires en el 2004. Así fue como Juan Manuel Lopez Manfré (voz y guitarra), Enrique Legarreta (bajo y coros) y Agustin Bandiera (batería) formaron Superfluo, una banda que tiene influencias que van desde Dylan y The Beatles hasta los más modernos Franz Ferdinand. Otra banda más que cobija el sello “Tómalo o Déjalo” (propiedad de Fede Cabral). Que nos sigue mostrando grandes artistas de todo el país.

Cuatro años después de su formación saldría a la luz el primer disco “Fanático de la Novela” (2008) producido por ellos mismos y con 11 canciones que hablan del amor, la vida y la soledad. Donde se mezclan el rock and roll con el pop.

Un tiempo más tarde y después de lo reconocimientos (por varias revistas del tema) y de presentar ese primer disco por varios lugares, empezarían a trabajar en su nuevo disco. El año pasado llegó “Fundamentalista del Amor” (2011) su segundo larga duración donde se puede escuchar un crecimiento musical de la banda. Manteniendo su  línea de composición característica. Cuenta con invitados como Federico Cabral (Sancamaleón) y Grisel Arquimbau (Pánico Ramirez). Guitarras acústicas combinadas con eléctricas (que llegan a distorsionarse dándole contundencia a las canciones) acompañadas por una base de bajo y batería que lleva el ritmo,  haciéndose notar por momentos de manera muy clara. Además, con la novedad de incorporar vientos y piano a algunas de las canciones. Por otro lado ya cuenta con dos videoclips y uno próximo a salir.

Como dicen ellos mismos “… la vida es un instante tan fugaz, pero por suerte hay Música”. Nada más para agregar.

"Fundamentalista del Amor" - Superfluo

Acordes unidos resuenan en Santo Tomé

El pop y el rock fueron siempre de la mano (o casi). A lo largo de la historia algunos artistas profundizaron más uno que otro. Otros artistas supieron combinar ambos estilos y dar composiciones maravillosas (en vano sería nombrar ejemplos, ya que dejaría afuera a un unos cuantos pecando de olvidadizo). Pero la realidad es que en muchos casos no podemos hacer diferencia entre uno u otro estilo. A veces lleva a las preguntas entonces: ¿Qué es Rock? y ¿Qué es Pop?. No podríamos dar respuesta (o por lo menos yo), y hasta a veces es producto de infinitas discusiones que nunca llegan a nada.

Hay artistas que no hacen caso a estas etiquetas y simplemente ofrecen sus composiciones para los que quieran escucharlas. Y por suerte siguen surgiendo artistas nuevos con estas ideas tanto fuera como dentro de nuestro país. En la ciudad de Santo Tomé (la de la provincia de Santa Fe, no la de Corrientes) hace unos años atrás (por el 2008 aprox) pasó algo de esto. Dante Fessia (bajo y coros), Leonardo Herrera (batería), Gabriel Carballo (voz y guitarras) y Nahuel Romero (guitarras y coros) dieron origen a Abre, un proyecto que es un fiel exponente en esto de combinar el Rock con el Pop. Los integrantes venían de diferentes proyectos locales y coincidieron en este “viaje” musical.

Tres años después de ese comienzo llega “Once Veces Otra Vez”, el primer disco, que cuenta con varios condimentos especiales. Fue grabado en Buenos Aires en El Cangrejo Records, el estudio de Goy Ogalde (Karamelo Santo, La Peña Pop). La producción estuvo a cargo de Charlie Desidney (productor de Karamelo Santo, Actitud María Marta, Sancamaleón, Palo Pandolfo e integrante de La Peña Pop) y editado por el sello discográfico “Tómalo o Déjalo Discos”, propiedad de Federico Cabral (Sancamaleón, La Peña Pop). Además se encuentra disponible para su descarga gratuita en Internet.

Las canciones hablan del amor, lo cotidiano, la búsqueda del lugar adecuado. Con un sonido prolijo y muy bien cuidado, bajos acentuados, un ritmo bien marcado por batería, riff elegantes y contundentes en algunos casos y voces que se entrelazan creando un ambiente agradable.

El álbum cuenta también con varios invitados: El propio Goy, Martin Ponce de León y Lucas Villafañe (ex Karamelo Santo), Federico Cabral, Rodrigo Negro González (La Cruda, Experimento Negro), Rafael Villazón (Virus, Charly García), Charlie Desidney, Ignacio Sörenson (Badú) y Marcos López.

Abrir para encontrar, esa búsqueda que en los artistas generalmente es una constante. Es lo que plantea Abre con esta interesante propuesta. Esas “combinaciones de sonido al azar”.

Video Clip "Fotos de París"

http://www.youtube.com/watch?v=JG3d-p9M09Q&feature=share

El link para descargar su disco:

http://soundcloud.com/abre-musica